Páginas

17 jun. 2019

Entrevista a Javier Durán por "Capullo, quiero un hijo tuyo"


P.- ¿Cómo surge la idea de escribir Capullo, quiero un hijo tuyo?
R.- La idea de la obra nace de combinar dos situaciones que vivo a mi alrededor. Al pasar la treintena, hay cierta polarización de mis amistades entre las personas que quieren formar una familia y las que quieren prolongar la adolescencia y vivir con pocas responsabilidades. Entre las primeras, llaman mi atención algunas parejas de mujeres que están llevando a cabo costosos procedimientos para quedarse embarazadas, y veo el drama que supone no llegar a conseguirlo. Entonces se me empieza a ocurrir que sería interesante acercar esos dos mundos y desarrollo la trama en la que las dos mujeres se lanzan a la caza del donjuán como último recurso desesperado para ser madres.

P.- Capullo, quiero un hijo tuyo se estrenó en 2016 en Sala Cero (Sevilla) y desde entonces se mantiene en cartelera con éxito y risas. ¿Cuál ha sido la clave?
R.- Por los comentarios que deja el público en Atrápalo, parece que llama la atención positivamente el hecho de que sea una comedia con un trasfondo humano muy actual. Al público le gusta ver a personajes cercanos a las personas con las que convive. Muchas personas dicen que se sienten identificadas con varios de los personajes. Además, y esto es fundamental para sostener la comedia, el elenco hace un trabajo extraordinario.

P.-¿Se ha reescrito mucho la obra, con la respuesta del público, antes de llegar a ser libro?
R.- La trama principal no ha cambiado nada, pero sí que se han incorporado bastantes réplicas que han nacido en el escenario, de improvisaciones o incluso de errores de alguno de los actores o las actrices. Con cada representación el texto se enriquece.

P.-¿Cómo reacciona la gente ante las dos mujeres que quieren ser madres y acaban buscando un macho de ocasión que las preñe? ¿Ves empatía en el espectador?
R.- Sí, la gente se identifica mucho, porque, aunque es una comedia, he tratado de que no se fuercen las situaciones, y eso genera un clima de cotidianidad que acerca mucho la historia al público.

P.-Las ideas cambian más rápido que nunca; la visión social del feminismo, la homosexualidad, las parejas abiertas, la procreación, el papel del varón, no tiene casi nada que ver con la de hace 20 años. ¿Cómo lucha el autor con esos cambios?
R.- Los abrazo con ilusión. Me encanta ver cómo el feminismo gana cada vez más fuerza, y celebro que las diferentes formas de amarnos tengan cada vez más aceptación. En cuanto a mi aportación a esa lucha, quiero pensar que los relatos contribuyen a esa normalización, pero la parte más importante está sin duda en la calle.

P.-¿Qué evolución ves en ti como autor desde que te lanzaste a esta profesión?
R.- He aprendido mucho a nivel técnico y formal, y ahora siento que tengo más recursos y me permito experimentar con fórmulas menos convencionales. En cuanto a la temática, trato de mirarme menos el ombligo y escuchar lo que sucede a mi alrededor para escribir sobre asuntos más universales.

P.-¿Cómo es la puesta en escena de  Capullo, quiero un hijo tuyo ¿La has imaginado diferente cara a salas comerciales?
R.- La puesta en escena de la obra es la mejor que podemos tener con un presupuesto tan limitado. Hacer teatro en el off requiere de mucha creatividad para lidiar con la austeridad. Para salas comerciales de más envergadura le vendría bien una nueva producción que permitiera renovar sobre todo la escenografía y el vestuario, que sufren mucho con tantas funciones.


9 abr. 2019

Manuel Muñoz Hidalgo habla sobre August Strindberg



P.-¿Cómo podemos explicar al lector quién es August Strindberg?
R.- Tras un ejercicio de identificación y complicidad, con el rito de entusiasmo para ponerse en lugar del otro, en este caso, el genial autor sueco, a través de sus propios testimonios y escritos, sus circunstancias personales, la justa coherencia y el análisis de sus contradicciones, es posible descubrir su interior, no sin riesgo y sorpresa.

P.-  Usted muestra a la perfección en esta obra el desequilibrio mental de Strindberg, sus alucinaciones y miedos. ¿En qué fuentes o textos se ha basado?
R.- Para conseguir una pieza fidedigna y mostrar la realidad, me informé sobre lo que motiva los cambios de carácter, los síntomas de la locura, los tipos de trastornos, las principales enfermedades mentales, las causas que provocan un brote psicótico, con el asesoramiento de psiquiatras y mi propia experiencia en un manicomio donde pasé el turno de noche al cuidado de los pacientes en ese mundo dantesco y desgarrador para hacerme la idea del estado de enajenación. Strindberg estuvo al borde de la locura. Lo cuenta en Diario de un loco, Inferno. Su obra en general ha sido el vehículo para descubrir el pensamiento más íntimo del autor sueco sobre la vida, la muerte, el amor, el
fracaso y el triunfo.

P.- Es un monólogo un tanto especial; pero en realidad, Strindberg no está solo.
R.- Nadie está solo cuando permanece la memoria. Opté por esta forma dramática que aportase mayor veracidad. ¿Quién no habla y se enfrenta consigo mismo y con los recuerdos para encontrar soluciones en estado onírico, depresivo o normal? Hablar es
necesario, aún con el silencio, como alimento de la razón.

P.- Su obra ¿es más una exigencia de la libertad o una denuncia de una sociedad cínica y podrida?
R.- Las dos opciones como portavoz de Strindberg. Si tenemos prejuicios y miedos no seremos libres, fuertes y respetados. Sólo en el orden, conocimiento y disciplina se encuentra la fórmula para conseguir la libertad y denunciar la corrupción, el abuso del
poder y la mentira de los depredadores del bien común, lamentablemente con legalidad.

P.- ¿Se puede decir que al mismo tiempo es una obra intimista y una obra exhibicionista?
R.- En busca de respuesta a dudas y prejuicios, me refugio en el teatro como autoterapia, me miro en él como en un espejo e intento que el lector de teatro o el público haga lo mismo, se vea tal como es sin culpa ni remordimiento. En toda mi obra destaca el intimismo y la exhibición porque además de mostrar los más profundos sentimientos los exhibe con cierto narcisismo y complacencia

P.- ¿Cómo imagina su puesta en escena?
R.- Realista, acorde con el espacio y tiempo de la acción dramática. Los requisitos técnicos pueden reducirse a una simple cámara negra, los elementos de ambientación que irán apareciendo según los cuadros, iluminación adecuada y los efectos sonoros y visuales que matizan el texto. Al tratarse de uno de los dramaturgos más reconocidos en el mundo, que pasó la mayor parte de su vida en el S.XIX, aprovecharía un teatro con escenario a la italiana.

P.- Completa el volumen el texto Isabel y Fernando, rigor y prudencia que nos muestra una imagen poco conocida de los Reyes Católicos; sus desavenencias matrimoniales.
R.- La imagen idílica de Isabel y Fernando es idéntica a la de los matrimonios actuales, también de la Realeza, en la difícil convivencia sin amor, sólo por otras razones. Si además no escribes por encargo o presiones fanáticas, con estudio e investigación ,dispones de suficiente criterio e imparcialidad para hacer un drama serio y creíble con las limitaciones de la intuición, las virtudes e imperfecciones humanas, los conflictos y acuerdos conyugales, no como relatan, si es que aparecen, en las crónicas cortesanas de aduladores y agradecidos.



P.- Su Isabel es culta, luchadora, vehemente, pero ¿tenía algún punto débil?
R.- Los celos, que derivan en egoísmo y esclavizan la voluntad. Estaba enamorada profundamente de Fernando, su marido, que además le era infiel.

P.-  Nos presenta un Fernando astuto, desconfiado, mujeriego impenitente, conspirador. ¿Cómo pudo sobrellevarlo todo Isabel?

R.- Tan inteligente como Fernando, leal y virtuosa, con el atractivo de la generosidad, se responsabilizó de las debilidades y errores del marido, no sólo por intereses, metas y aspiraciones comunes sino por el amor que le tenía. El amor superó las dificultades conyugales y fortaleció su espíritu con la entrega total a sus deberes como reina y esposa en la fe de sus creencias que tanto había defendido y la condujo a tomar
decisiones eficaces, compartir ambos la responsabilidad de sus reinos.

P.-  Para acabar, se le considera uno de los más destacados autores de teatro histórico en España.¿A qué se debe?
R.- La curiosidad, predilección e interés por la Historia y sus protagonistas me condujo al drama histórico, a dedicar la mayoría de mi obra a la recreación de temas basados en acontecimientos históricos o las vidas emblemáticas de sus personajes, que no se deben olvidar, con una visión crítica y didáctica en prosa o verso. He vivido y vivo para el teatro, no del teatro, lo que me facilita la dedicación suficiente para la investigación, hacer el trayecto creativo hacia el entendimiento en solitario, irreverente.



Manuel Muñoz Hidalgo en Conocer al Autor



Manuel Muñoz Hidalgo en Conocer al Autor, lectura de la obra


30 mar. 2019

Entrevista a Belén Pérez Daza, autora de Due Padrone


P.- ¿”Due padrone” es una comedia de enredos propia del s.XVIII ambientada en un grupo mafioso de la Italia actual?
R.-  Es una comedia de enredos ambientada en la mafia italiana con la estética del Chicago y los gánsteres de los años 40.   

 P.- ¿Por qué inspirarse en Carlo Goldoni?
R.- Porque tanto al leer sus obras como al verlas representadas me llenan de buen humor y de entusiasmo, que es lo que a mí me gusta provocar en mis lectores y espectadores.
  
P.- ¿El tratamiento del idioma –el italiano- de la ambientación puede tener algo de paródico al modo de La venganza de don Mendo, de Muñoz seca?
R.- Claro que sí y también este italiano macarrónico que utilizo en algunos momentos en el texto tiene raíces del carnaval gaditano, en donde la influencia italiana, sobre todo veneciana, ha estado muy presente: “gaditanizando” expresiones, terminaciones de palabras o reinventándolas para que sonaran al idioma italiano parodiándolo.

 P.- ¿Quién es ese muchacho que sirve a dos amos?
R.- Trufa es un chico de la calle que utiliza su ingenio para sobrevivir. Es nuestro pícaro de toda la vida que juega las cartas según le vienen dadas. Y las sabe jugar muy bien porque es capaz de engañar e improvisar a cada dos palabras que dice. Deja bien sentando que nada sabe porque en el orfanato nunca aprendió aunque sus actos reflejan que la vida le ha enseñado más de lo que podría aprender en cualquier escuela.      

 P.- Creemos que hay un personaje femenino en esta obra que te gusta especialmente: ¿Cuál y por qué?
R.- Me encanta la Señora Pastrane. Primero porque en la versión original es un personaje masculino y al cambiarlo a femenino podía jugar con ella de diferentes formas, como conciencia y freno del personaje femenino principal  y para enredarla en situaciones amorosas-cómicas con el Capo de los Capos, Don Vitorio. Tienen una relación divertida en la que el poderío varonil y peligroso del mafioso se derrite ante la promesa de un momento sensual hasta las últimas consecuencias.    
  
P.- ¿Vence el amor, la venganza o al final se impone la picaresca?
R.- Soy una romántica. Vence el amor. Aunque también la picaresca tiene sus momentos y bueno, quizás el final sea una venganza… pero mejor se lo dejamos al lector para que lo compruebe.

 P.- Si un director o productor te pide llevar la obra a escena ¿Qué necesidades tendría? ¿Es una obra que puede representar tanto una compañía profesional como un grupo aficionado?
R- Creo que no tendría muchas dificultades y está abierta a la creatividad del propio director. Sí, puede ser representada tanto por una compañía profesional como por un grupo aficionado, y es más, también por grupos juveniles. Creo que puede funcionar en todos los ámbitos.
  
P.- Eres dramaturga en nómina del grupo Orozú Teatro, Premio Max 2013 de las Artes Escénicas. ¿Qué carácter social tiene este grupo de teatro?
R- Es un grupo ligado a la discapacidad visual y forma parte de un movimiento teatral muy extenso, con muchos años trabajando y con profesionales de primer nivel que promociona y subvenciona la ONCE.
  
P.- ¿Cuántos años llevas en el mundo del teatro y cuáles han sido tus principales logros?
R.- Podría decir que llevo toda la vida en el teatro. Empecé como actriz a los 14 años en grupos de mi ciudad y casi enseguida empecé a escribir textos. Siempre he escrito mis textos para ser representados, y he ido aprendiendo el oficio a base de confrontarlos con el público, quizás eso es algo que también me acercó a Goldoni.
     En cuanto a logros puedo decir que de los casi treinta textos teatrales que he escrito,  entre teatro para adultos y teatro infantil, han sido estrenadas más de veinticinco obras. Que las puestas en escena de mis obras por parte de Orozú Teatro han sido premiadas en numerosos certámenes, asistiendo en dos ocasiones al Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro: en el 1999 con “Crónicas y Mojigangas” versión libre sobre textos de Shakespeare y en el 2018 con “Don Volpone” versión libre y descarada del Volpone de Ben Jonson.
     Hasta hace bien poco no intenté la publicación de mis textos. Era un sueño, que se convirtió en realidad el año pasado con la edición de “En Black” y este año continua el sueño con la publicación de “Due Padrone”.



El libro se presenta el jueves 11 de abril, a las 20h, en el Café Teatro Pay Pay, C. Silencio 1, Cádiz, con una lectura dramatizada.

Due Padrone, de Belén Pérez Daza

Due Padrone
Autor: Belén Pérez Daza

Colección de Teatro, nº 98
ISBN: 978-84-17481-17-9
PVP: 10€ • 98 páginas


Riki Rasponi, jefe de una familia mafiosa, es asesinado por la policía tras un chivatazo. Su hermana Francesca, queriendo asumir la dirección de la familia y buscando venganza, ocupa el lugar de su hermano haciéndose pasar por éste ante don Vitorio, el capo de los capos. Francesca se presenta ante don Vitorio intentando averiguar si el culpable de la muerte de su hermano ha sido su prometido, Luchiano Aretusi, quien a espaldas de su amada busca también la protección de don Vitorio. Desde el principio empiezan los enredos, gran parte de ellos provocados por un jovenzuelo al que Franchesca toma a su servicio: Trufa, criado en la calle y según sus propias palabras: “Nada sé porque en el orfanato nunca aprendí” y que sin pretenderlo se ve sirviendo tanto a Franchesca como a Luchiano. ¿Pero cómo se puede salir bien librado teniendo dos patrones? Trufa tiene la respuesta: con astucia, sinvergonzonería y cara dura. Aunque engañar a la mafia puede traer consecuencias desagradables. Una galería de personajes a los que se suma: la señora Pastrane dueña del hotel-restaurante donde transcurre esta historia y que mantiene un “estrecho contacto” con don Vitorio; Luchía, hija del capo, que esconde un secreto compartido con su fiel Marcela; Pietro, mano ejecutora de don Vitorio, dispuesto siempre a utilizar una pistola; Caruso, un criado del hotel-restaurante que jamás hace lo que se le dice; la señora Carboni, madre del prometido de Luchía, que no se entera de nada, y por último, Franco Carboni que… no aparece por ningún lado… ¿o sí? Hilarante comedia mafiosa inspirada libremente en Arlequín, servidor de dos amos, de Carlo Goldoni. 

Belén Pérez Daza
(Cádiz, 1964).
Se licenció en Historia por la Universidad de Cádiz en 1988. Su actividad profesional ha estado siempre ligada al teatro como docente, actriz, directora y dramaturga. Lleva escribiendo desde hace más de veinticuatro años tanto teatro infantil como adulto y narrativa infantil. Entre adaptaciones y textos originales tiene en su haber más de treinta obras de teatro. De ellas, han sido representadas veintiuna por grupos de teatro independiente, de todo el territorio nacional. Desde 1994 es dramaturga en nómina del grupo Orozú Teatro, Premio Max 2013 de las Artes Escénicas. Grupo de teatro que tiene carácter social vinculado al mundo de la discapacidad. Las puestas en escenas por parte de Orozú Teatro de sus textos teatrales han participado en numerosos festivales, tanto nacionales como internacionales. Ha publicado la obra En Black–vivir en negro y ha participado en la antología Monólogos de humor. Autoficción de Ediciones Irreverentes. 

Todo sobre el libro en http://www.edicionesirreverentes.com/teatro/Due%20padroneBelenPerezDaza.html

22 mar. 2019

Celebramos el Día Mundial del Teatro. RNE, Sexto Continente 231


El 27 de marzo celebramos el Día Mundial del Teatro. En Sexto Continente, el café literario de Radio Exterior de España, dirigido y presentado por Miguel Ángel de Rus adelantamos y dedicamos Sexto Continente al arte de Tespis, el precursor que ganara el primer concurso de tragedias durante las Dionisiacas de Atenas del 536 Antes de Nuestra Era; Al arte de Melpómene, musa de la tragedia, el difícil arte que despierta el ingenio y la imaginación, a quien se representa portando una máscara trágica como su principal atributo; y el arte de Talía, musa de la comedia, quien presidía los banquetes y otras festividades, otorgando dones de abundancia.
¿Sabéis cuáles fueron las ramas literarias más afectadas por la censura de la Inquisición? Los ensayos religiosos y el teatro; su peligrosidad radicaba en su proyección popular. La Inquisición, desde 1600, se cebó en el teatro, se prohibió toda la obra de Gil Vicente, se censura a Torres Naharro, Encina, CarvajalFeliciano de Silva, Palau, Natas, Huete. Incluso a Tirso de Molina le prohíbe textos la Inquisición y a Luis Vélez de Guevara se le persigue por “Los tres portentos del cielo”. Hay menos censura contra la comedia impresa en libros, porque casi nadie sabe leer, pero se persigue el teatro representado. Si el Teatro era malo para la Inquisición, es bueno para ti.
Comenzamos con Belén Pérez Daza dramaturga en nómina del grupo Orozú Teatro, Premio Max 2013 de las Artes Escénicas. Nos presenta su comedia “Dúe padrone”, inspirada libremente en “Arlequín, servidor de dos amos”, de Carlo Goldoni. Aquí se sirve a la mafia, con un italiano de Cádiz que quita el sentido. Para leer entre risas.

Hablamos con Manuel Muñoz Hidalgo de su obra “August Strindberg, el abismo y el alba”, sobre  el atormentado, contradictorio y genial Strindberg, uno de los pioneros del arte contemporáneo, afectado por problemas familiares, económicos y amorosos, por su desequilibrio mental, alucinaciones, miedos y manías persecutorias que le precipitan al abismo de la duda y la búsqueda del sentido de la vida.
Vera Kukharava nos recomienda la lectura de 5 obras teatrales de autores tan diversos como Yolanda García Serrano, Laila Ripoll, Víctor Almazán, Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre.

Hablamos con el autor y las dos actrices de la obra “Clara Victoria”, sobre el voto femenino en España. En diciembre de 1931 España aprueba el Sufragio Universal con el empeño de Clara Campoamor. Frente a ella, Victoria Kent se opuso a esa ley. Las consecuencias del debate marcaron la vida de ambas mujeres, enfrentadas por visiones diferentes de cómo fraguar un sueño común: la igualdad de ambos sexos. Nos hablan de la obra Fernando BecerraEstela Perdomo y Diana Ramírez, quienes además nos dramatizan una parte del texto.
Chema Rodríguez Calderón interpreta en La Escalera de Jacob junto a Gerard Clúa una obra de teatro sobre un futuro en el que el humor está prohibido, porque todo el mundo es puritano tirando a mojigato, y se siente ofendido por algo. La obra se titula “Claro, boba. Prohibido el humor” y creemos que por el bien de la humanidad, el autor nos debe hablar de ella.

Y el cierre es un pequeño homenaje a una de las mujeres más grandes del teatro español contemporáneo: Elena Cánovas, quien fundó en 1985 la compañía Yeses, para que las mujeres que estaban en la cárcel hicieran teatro como forma de reintegrarse en la sociedad y 34 años después sigue en la batalla. Acaba de recibir el Premio de la comunidad de Madrid, ha recibido el Premio Max de Teatro, y TVE ha presentado un gran documental sobre su vida y obra, dirigido por Miguel Forneiro.
Todos los audios de Sexto Continente en RNE, http://www.rtve.es/alacarta/audios/sexto-continente/

12 mar. 2019

Ediciones Irreverentes ha presentado "August Strindberg, el abismo y el alba", de Manuel Muñoz Hidalgo


Ediciones Irreverentes ha presentado "August Strindberg, el abismo y el alba", de Manuel Muñoz Hidalgo, el lunes, 11 de marzo, en el Café Cósmico. Presentó el dramaturgo Jorge Jimeno, quien estableció paralelismos entre la obra de Strindberg y la de Manuel Muñoz Hidalgo y sometió a un “tercer grado” al autor, quien reconoció haberse desnudado en esta obra como nunca lo había hecho a lo largo de su laureada trayectoria autoral; y el editor Miguel Ángel de Rus, con la actuación de Ricardo Peralta en el papel de Strindberg, quién hizo una lectura dramatizada de la obra.
August Strindberg, el abismo y el alba es una obra dramática sobre el atormentado, contradictorio y genial August Strindberg, uno de los pioneros del arte contemporáneo, durante su estancia en París desde 1894 a 1896, afectado por problemas familiares, económicos y amorosos, por su desequilibrio mental, alucinaciones, miedos y manías persecutorias que le precipitan al abismo de la duda tras la búsqueda de respuesta y verdad que den sentido a la vida. La obra un reclamo a la libertad, el rechazo y la inadaptación a la sociedad cínica y podrida en cualquier lugar o tiempo. El intimismo de la obra busca la complicidad del público o lector de teatro. El autor, que hace una recreación libre de la obra del propio Strindberg, muestra el conflicto personal de Strindberg consigo mismo y con los demás, que se resuelve con la purificación, el conocimiento y la voluntad.



Manuel Muñoz Hidalgo afirmó en la presentación: “Con la publicación de mi nuevo libro me siento profundamente agradecido a todos los que han confiado en mí, porque en tiempos de alarmante sequía cultural, que intenta anular la conciencia crítica de una sociedad erudita, fuerte y libre, recibo el agua confortable del ánimo y el reconocimiento por haberme tomado en serio el oficio de escritor de teatro, que nunca se termina de aprender, o porque sueño demasiado con el privilegio de vivir para el teatro, no del teatro, que permite dedicarle toda mi vida. Estoy muy agradecido a Miguel Ángel de Rus, cuya admiración no es gratuita, debido a su buen hacer como escritor brillante, a su generoso apoyo a los autores, que como él, emprendimos el vuelo de la aventura literaria con entusiasmo, para remar juntos hacia horizontes desconocidos, llevarles la voz y la palabra, a través del esfuerzo, la superación y la añoranza. Mi agradecimiento a Jaroslaw Bielski, magistral director, profesor y actor de teatro que apostó por esta pieza sobre Strindberg, también por su prólogo tan erudito como entrañable. Gracias a Jorge Jimeno, dramaturgo comprometido, por la espléndida y sorprendente presentación de mi obra; y a Ricardo Peralta, por su grandísima actuación que me ha hecho dudar si ese era el texto que yo había escrito, porque ha sido como escuchar al mismo Strindberg y nos ha hecho comprender a todos que este texto necesita un escenario en el que ser representado. August Strindberg, el abismo y el alba, es el resultado de mi respeto y admiración al genio sueco. A fin de mostrarle con la mayor posible fiabilidad he recreado, no sin riesgo, su propia obra y su condición humana, contradictoria y atormentada durante su estancia en París desde 1894 a 1896, al borde de la locura, afectado por diferentes adversidades, que se resuelve con la purificación, el conocimiento y la voluntad”.

Manuel Muñoz Hidalgo
(Alcantarilla, Murcia, 1939).
Profesor, narrador, poeta y dramaturgo, prolífico escritor, uno de los autores de teatro imprescindibles de su generación, con más de 40 obras teatrales estrenadas, traducidas y publicadas en España y otros países, como El herrero de Betsaida, La escarcha, Ingenio contra usura, El saber y la renuncia, El tornillo, Amor prohibido. Bien de almas, Bécquer. El día y la bruma, ¡Usquead aeternitatem!, Desbandada, El temblor de la llama, Cuando llega la noche, Un vaso de whisky. Auto de la buena muerte y Arcángeles beleneros aparte de otras piezas y dramas humanos de carácter más variado. Es uno de los más destacados autores de teatro histórico en España. Como poeta, es autor de: Prisiones del aire, Pueblo y escarnio, La calle del vacío. Como narrador es autor de las biografías Cómo fue Miguel Hernández, Juan de la Cruz. Memoria de vuelo alto (1591-1991). La voz de la memoria es un libro de encuentros con intelectuales españoles del siglo XX que incluye conversaciones, imágenes, poemas y manuscritos. Es autor del manual El teatro en la escuela para maestros.


Foto, de izquierda a derecha: Ricardo Peralta, Manuel Muñoz Hidalgo, Jorge Jimeno.

5 mar. 2019

Presentación de "August Strindberg, el abismo y el alba", de Manuel Muñoz Hidalgo, el lunes, 11 de marzo, a las 19 h, en el Café Cósmico de Madrid


Presentación de "August Strindberg, el abismo y el alba", de Manuel Muñoz Hidalgo, el lunes, 11 de marzo, a las 19 h, en el Café Cósmico. Presentan  el dramaturgo Jorge Jimeno y el editor Miguel Ángel de Rus, con la actuación de Ricardo Peralta. 

28 feb. 2019

“August Strindberg. El abismo y el alba”, de Manuel Muñoz Hidalgo, en Ediciones Irreverentes


August Strindberg. El abismo y el alba.
Autor: Manuel Muñoz Hidalgo

Colección de Teatro, nº 97
ISBN: 978-84-17481-16-2
PVP: 12,99€ • 142 páginas


August Strindberg, el abismo y el alba es una obra dramática sobre el atormentado, contradictorio y genial August Strindberg, uno de los pioneros del arte contemporáneo, durante su estancia en París desde 1894 a 1896, afectado por problemas familiares, económicos y amorosos, por su desequilibrio mental, alucinaciones, miedos y manías persecutorias que le precipitan al abismo de la duda tras la búsqueda de respuesta y verdad que den sentido a la vida. En la arquitectura teatral de esta pieza de Manuel Muñoz Hidalgo ocupa un lugar destacado el personaje ausente, según José García Templado. El abismo y el alba es un reclamo a la libertad, el rechazo y la inadaptación a la sociedad cínica y podrida en cualquier lugar o tiempo. El intimismo de la obra busca la complicidad del público o lector de teatro. El autor, que hace una recreación libre de la obra del propio Strindberg, muestra el conflicto personal de Strindberg consigo mismo y con los demás, que se resuelve con la purificación, el conocimiento y la voluntad. El volumen incluye otra obra Isabel y Fernando, rigor y prudencia es una obra histórica. Sus protagonistas: Los Reyes Católicos, figuras emblemáticas consagradas por la Historia, asentaron las bases del Estado con la fuerza suficiente para garantizar la seguridad y el orden en el país. Casados por razones políticas, fueron los reyes más significativos de España por su forma de gobernar juntos. Isabel: culta, virtuosa, decidida, luchadora, vehemente, capaz, inflexible. Fernando: astuto, desconfiado, mujeriego impenitente, conspirador, estratega. Manuel Muñoz Hidalgo, sin profanar la contextualidad, desmitifica leyendas y testimonios de cronistas palaciegos a través de personajes como don Gonzalo y su esposa doña Clara, que cuidaron a doña Isabel desde su infancia. Otro personaje, Enrique IV de Castilla, es un referente del vicio contra natura que se ocultaba en la Corte. Doña Beatriz de Osorio, el cinismo y la seducción, desata los celos de Isabel. Vivimos acontecimientos e intrigas cortesanas, ambiciones e infidelidades. 


Manuel Muñoz Hidalgo

(Alcantarilla, Murcia, 1939).
Profesor, narrador, poeta y dramaturgo, prolífico escritor, uno de los autores de teatro imprescindibles de su generación, con más de 40 obras teatrales estrenadas, traducidas y publicadas en España y otros países, como El herrero de Betsaida, La escarcha, Ingenio contra usura, El saber y la renuncia, El tornillo, Amor prohibido. Bien de almas, Bécquer. El día y la bruma, ¡Usquead aeternitatem!, Desbandada, El temblor de la llama, Cuando llega la noche, Un vaso de whisky. Auto de la buena muerte y Arcángeles beleneros aparte de otras piezas y dramas humanos de carácter más variado. Es uno de los más destacados autores de teatro histórico en España. Como poeta, es autor de: Prisiones del aire, Pueblo y escarnio, La calle del vacío. Como narrador es autor de las biografías Cómo fue Miguel Hernández, Juan de la Cruz. Memoria de vuelo alto (1591-1991). La voz de la memoria es un libro de encuentros con intelectuales españoles del siglo XX que incluye conversaciones, imágenes, poemas y manuscritos. Es autor del manual El teatro en la escuela para maestros. 



Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes http://www.edicionesirreverentes.com/Teatro.htm


3 feb. 2019

Tres obras de teatro sobre el derecho al voto de la mujer en España

Resulta significativa la escasa presencia en el teatro español de las dos mujeres que mantuvieron el debate definitivo sobre el voto femenino en España durante la República: Victoria Kent y Clara Campoamor.
            En la Segunda República española, las mujeres podían ser elegidas, pero no votar. En octubre de 1931, poco después de nacer la Segunda República Española, se mantuvo un apasionante debate entre Clara Campoamor, del Partido Radical,  defensora de que las mujeres votaran, y Victoria Kent, del Partido Radical Socialista, contraria a que las mujeres votaran. Este debate ha pasado a la historia.
Victoria Kent, según sua palabras, recogidas en el diario de sesiones del 1 de octubre de 1931, basaba su postura en la “incapacidad femenina para votar debido a que tradicionalmente se habían mostrado cercana a la iglesia y había mantenido posturas más tradicionales”. Lo cual llevaría a que los partidos de izquierdas perdieran votos.
Clara Campoamor defendió el sufragio universal, incluyendo a las mujeres. Campoamor se preguntaba. “¿No recae sobre las mujeres toda la consecuencia de la legislación que se elabora aquí para los dos sexos, pero solamente dirigida y matizada por uno? ¿Cómo puede decirse que la mujer no ha luchado y  que necesita una época, largos años de República, para demostrar su capacidad?”.
Tras el debate, se aprobó en el congreso el voto femenino en las mismas condiciones que el masculino, a la edad de 23 años. Se estableció en la Constitución de 1931 en el artículo 36.
Este hecho revolucionario, ha tenido escaso reflejo en el teatro español. Destacaremos tres obras que tratan de este importante asunto:
La Asociación de Autores de Teatro editó en 2005 Las Raíces Cortadas, de Jerónimo López Mozo, Premio Nacional de Literatura Dramática 1998. Esta obra sería llevada a escena bajo la dirección de Luis Maluenda e interpretación de Pepa Sarsa (Victoria Kent) y Marisa Lahoz (Clara Campoamor).
En Las Raíces Cortadas el lazo dramático de ambas mujeres se consigue a través de una situación: la aprobación del voto femenino que supuso un amplio y controvertido debate. Más tarde les unirá el exilio, vivido de forma muy distinta. A partir las vivencias de unos personajes históricos, Las Raíces Cortadas se convierte en un texto que va más allá de la anécdota histórica. Presenta un tema más profundo: los derechos de la mujer.

           En 2016 Ediciones Irreverentes concede el premio El Espectáculo Teatral a la autora ilicitana Olga Mínguez por su obra Victoria viene a cenar. De aquel histórico debate sobre el voto femenino surge esta obra. Clara Campoamor ha invitado a Victoria Kent a cenar. Lo tiene todo preparado: el salón, la cena y el vino. Clara sabe que se trata de la noche decisiva para ambas, ya que el fantasma de aquel debate político de 1931 nunca ha dejado de planear entre ellas. Pero, no se equivoquen, porque aquí se hacen malabarismos con la inventiva. Y es que, la cena entre la Campoamor y la Kent, no se llegó a dar. Un capítulo ficticio donde conoceremos la apasionante vida de las dos primeras mujeres diputadas del Parlamento español; un recorrido fugaz por sus actos, sus logros, sus sentimientos y sus derrotas. Una conversación llena de matices, de reproches, de sentimientos de culpa y de reencuentros que nunca ocurrió pero que, tal vez, debió haber ocurrido.
En 2017 Ediciones Irreverentes concede el premio El Espectáculo Teatral a otra obra dedicada a una de las mujeres de este hecho histórico: La verdadera identidad de Madame Duval, de Antonio Miguel Morales Montoro. Nadie conoce la verdadera identidad de Madame Duval, una española refugiada en París inscrita en la lista negra de Franco y buscada por la GESTAPO y por el sanguinario policía español Pedro Urraca. Madame Duval logra sobrevivir al asedio apoyada por unas amigas que construyen en torno a ella una fortaleza que nadie puede derrumbar. Quien quiera conocer el verdadero nombre de Madame Duval, tendrá que ser testigo de su peripecia vital, para no juzgarla de antemano, como ha hecho la historia con la protagonista de esta obra, sin duda una de las mujeres más relevantes de nuestra contemporaneidad. Su nombre se nos irá revelando a través de los hechos que delimitan la acción, siendo este enigma una de las bazas del planteamiento dramático.
Como hecho significativo del devenir histórico de la España del s.XX, ambas mujeres acabarían en el exilio.
En una época en la que el debate sobre los derechos y libertades de la mujer está más presente que nunca, resulta sorprendente que ninguna de estas tres obras –en el momento de escribirse este artículo– esté en las carteleras del país. La lectura de estas tres obras teatrales se muestra así básica para conocer la postura de los más significativos representantes de las artes escénicas en un debate que sucedió hace casi 90 años, pero cuyo resultado sigue marcando nuestra época. Es una lectura recomendable sobre todo para las generaciones más jóvenes, a quienes les sigue sorprendiendo que este debata haya existido hace tan poco tiempo.

2 feb. 2019

Bases del II Premio Alfred de Musset de traducción, versión y adaptación de obra teatral, de Ediciones Irreverentes



Podrán concurrir al premio aquellos originales que reúnan las siguientes condiciones:

a) Obras teatrales en español que sean traducción, versión o adaptación teatral de una obra teatral, novela o relato, previamente existente, sea cual sea el idioma del original sobre el que se haya trabajado. El texto participante en el premio no habrán sido publicadas en libro, ni en revistas en España. Pueden ser obras no estrenadas, o si se han estrenado, se aceptarán obras puestas en escena en un plazo máximo de 5 años antes de la fecha de convocatoria del premio.

b) Podrán participar obras con una extensión mínima de 70 páginas y máxima de 120 (DIN A-4), a espacio y medio, por una cara. Letras Arial o Times New Roman 12, o similar.

c) Las obras presentadas no habrán sido premiadas en otro concurso, no se hallarán pendientes de fallo en cualquier premio ni estarán sujetas a contrato con una editorial o agencia.

d) Se establece un primer premio consistente en la publicación de la obra ganadora en la Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes. Los derechos de publicación serán del 10% sobre el PVP del libro sin IVA por cada libro vendido. Si las obras no son de derecho público (autores vivos o muertos en un plazo inferior a 80 años) el autor de la versión, traducción o adaptación, deberá aportar un certificado del autor original o sus derechohabientes, aceptando que la obra ganadora se publique en la Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes y deberán firmar un contrato habitual en la editorial. Este requisito es imprescindible en obras que estén en derecho.

e) El autor de la versión, traducción o adaptación debe respetar los derechos morales del autor original, dado que tienen un carácter personalísimo (inherentes a la persona de su titular) por lo que son irrenunciables e inalienables. Los derechos de paternidad e integridad no tienen límite de tiempo y deben ser respetados incluso cuando la obra pertenece al dominio público. Dado que el autor tiene derecho a exigir el respeto a la integridad de la obra e impedir cualquier deformación, modificación, alteración o atentado contra ella, se aceptarán obras que modifiquen número de personajes, cambios en el tiempo, adecuación del vocabulario, etc. Pero en ningún caso obras que cambien el mensaje original de la obra o los conceptos básicos manejados por el autor.

f) Cada autor podrá presentar un máximo de 2 obras a concurso, enviando una única copia de cada título con páginas numeradas y sin la firma del autor, sustituida por seudónimo en cabecera, acompañados de plica, con el mismo titulo, que contendrá obligatoriamente: nombre y apellidos, domicilio, fecha de nacimiento, teléfono y correo electrónico del autor, una breve nota bio-biblográfica del autor y una sinopsis de la obra de 20 a 30 líneas. La obra estará cosida o encuadernada. Si faltara alguno de los requisitos la obra podrá no ser aceptada.

g) Los trabajos se enviarán por correo normal (sin certificar) a Ediciones Irreverentes, C. Martínez de la Riva, 137, 4ªA. 28018 Madrid. (No se recibirán obras personalmente en ningún caso.) Indicando en el sobre: II Premio Alfred de Musset. El plazo de recepción de originales expira el día 1 de abril de 2019.

h) Los autores residentes fuera de España si desean participar deberán enviar la obra por correo electrónico a edicionesirreverentes@gmail.com. Enviarán en el correo dos archivos Word; uno con la obra y otra, a modo de plica, con sus datos personales y todas las demás informaciones exigidas en los envíos por correo.

i) Ediciones Irreverentes formará un jurado compuesto por 3 personas. La obra será escogida entre un máximo de 6 obras finalistas propuestas al jurado por el comité de lectura. El veredicto del jurado será inapelable. Ediciones irreverentes se reserva el derecho de dejar el premio desierto.

j) El fallo del jurado se hará público por nota de prensa a los medios de comunicación y por envío por correo electrónico a los participantes.

k) El autor ganador del Premio deberá presentar el libro en el que se recogerá la obra en el Salón del Libro Teatral (en el caso de realizarse en Madrid, si el autor reside en otra ciudad, no será obligatorio). Si el autor no vive en el territorio nacional español no tiene obligación de participar en el acto.

l) La participación en esta convocatoria implica la aceptación de sus bases y del fallo del Jurado.

m) La organización del Premio utilizará el correo electrónico de cada autor para enviarle información sobre el premio y otras informaciones teatrales, o para propuestas de edición si lo considera conveniente, salvo que el autor manifieste expresamente su deseo de no recibir información.


Entrega de Premios de Ediciones Irreverentes en el Salón del Libro Teatral 2018: Premios Irreverentes de Comedia y Premio Alfred de Musset. De izquierda a derecha Pilar Zapata, Ivor Martinic, Nikolina Zidek, Ignacio del moral, Jorge Jimeno, Ramón Paso, Miguel Ángel de Rus, Juan García Larrondo y Pedro Víllora.






10 ene. 2019

Bases del V Premio Irreverentes de Comedia




Podrán concurrir al premio aquellos originales que reúnan las siguientes condiciones:

a) Obras teatrales dentro del género comedia-humor, escritas en español. No habrán sido publicadas en libro, ni en revistas. Se aceptarán obras que hayan sido estrenadas en escenarios profesionales en los últimos 24 meses en cualquier lugar del mundo, a contar desde la convocatoria del premio, siempre que no hayan sido publicadas ni en libro, ni en revistas. Si han sido estrenadas anteriormente a esa fecha no podrán ser presentadas.

b) Podrán participar obras con una extensión mínima de 70 páginas y máxima de 120 (DIN A-4), a espacio y medio, por una cara. Letras Arial o Times New Roman 12, o similar. Los autores tienen la posibilidad, si así lo desean, de enviar junto a la obra principal una obra breve o diversos textos escénicos de humor y comedia, no superando entre todos los textos un máximo de 120 páginas.

c) Las obras presentadas no habrán sido premiadas en otro concurso, ni se hallarán pendientes de fallo en cualquier premio.

d) Se establece un primer premio consistente en la publicación de la obra ganadora en la 
Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes. Los derechos de publicación serán del 10% sobre el PVP del libro sin IVA.

e) Cada autor podrá presentar un máximo de 2 obras a concurso, enviando una única copia de cada título con páginas numeradas y sin la firma del autor, sustituida por seudónimo en cabecera, acompañados de plica, con el mismo titulo, que contendrá obligatoriamente: nombre y apellidos, domicilio, fecha de nacimiento, teléfono y correo electrónico del autor, una breve nota bio-biblográfica del autor y una sinopsis de la obra de mínimo 20 líneas. La obra estará cosida o encuadernada. Si faltara alguno de los requisitos la obra podrá no ser aceptada.

f) Los trabajos se enviarán por correo normal (sin certificar) a Ediciones Irreverentes, C. Martínez de la Riva, 137, 4ªA. 28018 Madrid. (No se recibirán obras personalmente en ningún caso.) Indicando en el sobre: V Premio Irreverentes de Comedia. El plazo de recepción de originales expira el día 29 de marzo de 2019.

g) Los autores residentes fuera de España si desean participar deberán enviar la obra por correo electrónico a edicionesirreverentes@gmail.com. Enviarán en el correo dos archivos Word; uno con la obra y otra, a modo de plica, con sus datos personales y todas las demás informaciones exigidas en los envíos por correo.

h) Ediciones Irreverentes formará un jurado compuesto por 3 personas. La obra será escogida entre un máximo de 3 obras finalistas propuestas al jurado por el comité de lectura. El veredicto del jurado será inapelable. Ediciones irreverentes se reserva el derecho de dejar el premio desierto.

i) El fallo del jurado se hará público por nota de prensa a los medios de comunicación y por envío por correo electrónico a los participantes.

j) El autor ganador del Premio deberá presentar el libro en el que se recogerá la obra en el Salón del Libro Teatral (en el caso de realizarse en Madrid, si el autor reside en otra ciudad, no será obligatorio).

k) La participación en esta convocatoria implica la aceptación de sus bases y del fallo del Jurado.

l) La organización del Premio utilizará el correo electrónico de cada autor para enviarle información sobre el premio y otras informaciones teatrales, o para propuestas de edición si lo considera conveniente, salvo que el autor manifieste expresamente su deseo de no recibir información.


Bases en http://www.edicionesirreverentes.com/premios/Premio_Irreverentes_Comedia_5.html  

Ilustración
Cartel de la obra El reencuentro, de Ramón Paso, ganadora de la pasada edición del Premio.