8 mar 2013

Los habitantes de la casa deshabitada, de Enrique Jardiel Poncela


Ante un público muy bien dispuesto, se estrenó el 29 de septiembre de 1942 en la Comedia, el drama cómico -así se indicó en los carteles- Los habitantes de la casa deshabitada, del conocido humorista Jardiel Poncela, que, pugnando por ser original y tratando de dar nuevos cauces a su concepto de la comicidad y de la ironía  ofrece en esta producción un argumento esquemáticamente dramático, que al pasar por el tamiz de su humorismo, se descoyunta y se deforma, entrando los caracteres, la misma acción y el diálogo, en el terreno de la franca comicidad per­se­guida por el autor. Trátase, en Los habitantes de la casa deshabitada, de ridi­cu­lizar esa sensación de angustia que denominamos miedo, y Jardiel Poncela de­sen­vuelve su plan con innegable habilidad y abundancia de ingenio; pero proba­blemente falta en su obra esa sensación de espontaneidad, que en el teatro suele ser un factor de primera fuerza. El público no estuvo parco en sus aplausos al au­tor ni los regateó tampoco a los actores, de los que es justo destacar a José Orjas, que estuvo admirable de gracia y naturalidad.
(Antonio J. Mezieres)


Elogio de la cazadora, de Santiago Martín Bermúdez, en Ediciones Irreverentes

La mujer se ha liberado mental y sexualmente y a su alrededor rondan los hombres. En este caso, dos hombres. El hombre es a veces esclavo, en ocasiones esclavizador, o acaso objeto de placer, y también pesadilla. Ella es ágil, hermosa, inteligente, y su ética es variable, como la de la mujer considerada actual. Uno de los hombres, siempre con careta, es el arquitecto, el policía, el locutor, el notario, el redactor, el joven periodista, el diseñador, el perro, por lo tanto lo establecido, el orden. El otro, también con careta, es el moro, el turco, el latino, el eslavo, el filipino, el contador de cuentos, el joven persa, el mulato, por lo tanto el exterior, y el placer, el desorden, lo esclavo. La mujer es la cazadora, liberada sexualmente y sin conceptos éticos, sólo placer. Nunca se sabe por dónde explotará la tensión en este triángulo. Pero el final reserva la sorpresa de la reinstauración, si es que eso es sorpresa. Todo esto y más es esta comedia en la que se trasciende el concepto de personaje y en el que se mezclan los géneros. Y cuya puesta en escena tiene que resultar divertida y a veces desternillante.


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3 mar 2013

Bodas de sangre, de Federico García Lorca


Federico García Lorca escribió Bodas de sangre en 1932. Ejemplo fundamental de su obra dramática, en ella ahonda en las pasiones de cuerpo y alma y en las raíces de las mujeres y la tierra española. A partir de un hecho real, una pequeña noticia en un periódico, lo que podía ser una simple tragedia rural se transforma en drama de resonancias míticas y simbólicas, rebosante de poesía y misterio, donde la pasión de los amantes acabará estallando en sangre. La crónica de una mujer que lleva a la muerte a sus dos rivales.
     Considerada por la crítica como la obra de García Lorca con la que se configura su técnica dramática, en Bodas de sangre se mezclan prosa y verso, imágenes y símbolos; aparecen música y coros, y los decorados adquieren un importante relieve. Esta edición de Manuel Cifo pone de relieve los aspectos sociales, culturales y literarios más importantes de un texto que, desde su estreno triunfal en 1933, es cumbre del teatro español de todos los tiempos.

El pendón coronado, de Concha Gómez, en Ediciones Irreverentes


El Pendón coronado contradice la tan traída y llevada frase «La verdad os hará libres», porque si bien ésta última al convertirse en un fin no nos habla del medio de conseguir la tan deseada libertad, El Pendón coronado nos ofrece el modo de lograrlo a través de algo tan difícil como la risa. Por lo que podemos concluir que, los que escribieron los evangelios mudaron los términos y que, en realidad, quisieron decir: «La risa os hará libres». Y es que sólo en la risa encontramos la libertad absoluta, no la de unos o las de otros, sino la de todos. 
     El Pendón coronado nos muestra en tono paródico la decadencia de la corte de Luis XVI, la aparición de la Enciclopedia o el movimiento revolucionario liberal, con un lenguaje moderno expresado en versos hilarantes, llenos de juicio y verdad; todo ello convertido en un vodevil a la francesa, donde los personajes entran y salen continuamente, donde los embarazos se multiplican como panes y peces y donde la conclusión es que el ser humano es tan perecedero como los alimentos que consumimos.Y nos hace reír y, en este gesto, tan humano, nos encontramos todos: los ricos y los pobres, los aspirantes a serviles y los serviles, los canallas, los enclaustrados, los intelectuales y los vagos. Y todos aquellos que aún siguen utilizando el término «cómico» en forma despectiva, porque no son conscientes de que la risa nos hace olvidar no sólo lo que somos, sino lo que fuimos y que, durante esos momentos, llegamos a comprender el fin último de cualquier aspiración: la felicidad.
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Historia de una escalera, de Antonio Buero Vallejo


Buero Vallejo ha sabido igualar vida y pensamiento, conducta y prédica. De su lucidez y de su ejemplaridad, de su trabajo, ha surgido el teatro de más altura, tensión y trascendencia de la posguerra española. Como ha sabido demostrar con Historia de una escalera, hito en la recuperación teatral de España. 


Antonio Buero Vallejo nació en Guadalajara en 1916 y murió en Madrid en 2000. En 1933 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, pero su vocación pictórica fue cortada por la guerra civil de 1936-1939. Dedicado a la soledad, al pensamiento y a la lectura durante muchos años, afloró su vena dramática para bien de las letras españolas. Introvertido y de poderosa inteligencia, Buero Vallejo es un magnífico lector, alerta y profundo, a cuya curiosidad nada es ajeno. Su tema y problema es el de la desvalida criatura humana en un tiempo crítico: el hombre en busca de la libertad por caminos de conocimiento y amor. Buero Vallejo ha sabido igualar vida y pensamiento, conducta y prédica. De su lucidez y de su ejemplaridad, de su trabajo, ha surgido el teatro de más altura, tensión y trascendencia de la posguerra española. Con Historia de una escalera, hito en la recuperación teatral de España, ganó en 1949 el premio Lope de Vega. En 1972 ingresó en la Real Academia Española. En 1986 recibió el premio Cervantes y en 1996 en Nacional de las Letras, siendo la primera vez que este premio se concede a un autor exclusivamente dramático.


La revolución y Belinda Miraflores, de Teresa Domingo Català, Ediciones Irreverentes


La revolución, de Teresa Domingo, es una divertidísima obra, mezcla de Tom Sharpe y de Alonso de Santos, servida con gotas de esperpento de esta España cañí que no cambia. El protagonista es Apolonio, un vendedor de seguros que es detenido por error y confundido con un terrorista. Un inocente detenido por la policía, un bulo creado por un preso sarcástico y un teniente iluminado, expandido por una Maruja con delirios de grandeza y por comentaristas televisivos descerebrados, harán que España tiemble. ¿Es una nueva conjura islámica? No se sabe; España huye y saquea supermercados. Comedia que hará reír al lector a carcajadas, destinada a ser un éxito en los escenarios. Es una reflexión, en clave cómica, sobre la manipulación informativa, sobre las mentiras del sistema, sobre lo desprotegidos que estamos los ciudadanos en cualquier régimen político. Esta obra la inspiró la detención y prisión de dos anarquistas, compañeros de ideología de la autora.
Belinda Miraflores es una comedia de salón sobre el mundo literario, tomando como excusa a una escritora de cuentos infantiles y a su marido guardabosques que busca la sonrisa cómplice del lector desde posturas intimistas. ¿Es posible el entendimiento en la pareja? ¿Se puede asistir a una reunión social en la que se declama poesía? ¿Entienden los hombres a sus mujeres y las mujeres a sus hombres? Al final, el decorado que es la sociedad hace aguas y los amores no son lo que parecían. La relación de la autora con el mundillo literario provinciano inspiró esta obra de teatro.

El perro del hortelano. El castigo sin venganza, de Lope de Vega




En El perro del hortelano (1613) sorprenden y deleitan aún el dinamismo de la acción, la adecuación del verso a la situación comunicativa y el retrato de una sociedad aristocrática aferrada al viejo código del honor. La noble Diana, condesa de Belflor, es dueña del destino de sus súbditos, pero sin embargo no le es permitido amar su secretario, el plebeyo Teodoro. Una invención del gracioso criado Tristán permitirá la desigual boda y el triunfo del amor. El castigo sin venganza (1631), por su parte,  es la última obra maestra que Lope legó a las tablas. Amor, muerte y honor son los tres grandes ejes que mueven la acción de la obra y que desencadenan el castigo del título: A partir de un acontecimiento real ocurrido de la Italia del Cuatrocientos, el dramaturgo construye una tragedia en la que los amores fatídicos de Federico y su madrastra Casandra llevan al Duque de Ferrara a debatirse entre el deseo de venganza y la piedad paterna.
Esta edición, a cargo del profesor A. David Kossoff, destaca por la limpieza y autenticidad del texto, así como por su análisis de estructuras dramáticas, acción, personajes y motivos.


1 mar 2013

Beatriz Cenci, una historia romana, de Pedro Amorós


Beatriz Cenci, una historia romana, es una extraordinaria obra teatral que narra una acción transcurrida en el S. XVI, pero que muy bien pudiera estar ocurriendo en estos momentos, en cualquier ciudad cercana. Roma. Año 1598. Un terrible suceso tiene lugar. Una joven de dieciséis años, humillada y golpeada por su propio padre, secuestrada por espacio de dos años en el palacio Savella, atormentada por los celos de su progenitor y perdida su virginidad de la forma más horrible que pueda imaginarse, decide maquinar una conspiración para acabar con la vida de su padre. Dos pobres diablos cumplen ciegamente las órdenes de la joven cometiendo un horrendo crimen. Pero una historia antigua transmitida de generación en generación anuncia el dramático final de la joven romana. Pese a conocer el trágico desenlace que anuncia la leyenda, la muchacha decide enfrentarse a su destino. Los personajes tienen resonancias históricas y terribles: Francisco Cenci, padre de Beatriz y dueño del palacio Savella en Roma y del palacio-fortaleza Petrella en Nápoles; Clemente VIII, Pontífice de Roma; y Ferrante Taverna, gobernador de Roma. Entre ellos brilla la joven Beatriz, heroína que merece ser recordada por los Tiempos.

Las bicicletas son para el verano, de Fernando Fernan-Gómez

Fernando Fernán Gómez (1921-2007) ha cultivado todos los géneros literarios, ha interpretado y dirigido obras teatrales y cinematográficas y ha seguido una trayectoria en la que se cruzan y entrecruzan sendas diversas pero complementarias. Miembro, además, de la Real Academia Española, y como buen actor y director, ha logrado presentar con tino la palabra en acción. Con el telón de fondo de la Historia, Las bicicletas son para el verano presenta y representa la vida de un grupo de personas en el contexto de la guerra civil española. Su pretensión no es la de construir una tragedia o un drama desde el punto de vista de la épica, sino algo sencillo y cotidiano, donde las situaciones límite no lo parezcan. El dramaturgo pone ante nuestros ojos las repercusiones de la guerra en un microcosmos integrado por seres frágiles, indefensos, dueños tan sólo de un destino incierto.

Amor líquido, de José Luis Alonso de Santos

José Luis Alonso de Santos no sólo es el más aclamado autor teatral de nuestra época, es además un experto conocedor del amor femenino, para lo bueno y para lo malo. Cinco de esas mujeres que en algún momento hemos amado o de las que hemos escapado son las protagonistas de las historias que forman Amor líquido, las más irrespetuosa y provocadora propuesta escénica de Alonso de Santos, que ahora aparecen en la colección de Teatro de Ediciones Irreverentes. Amor líquido es un libro de parejas, frecuentemente heterosexuales y casi siempre humanas, en ocasiones parejas de uno más un furtivo, parejas de dos, parejas de tres y de hombre con animal. Alonso de Santos mezcla el humor con cuestiones habitualmente tomadas en serio, como el amor, el desamor, la promiscuidad o la soledad de las mujeres. Nos encontramos una pareja prisionera en su habitación escupiéndose sus querellas, una reina muy dada a compartir sus reales carnes con los más modestos soldados del Reino, androides que creen ser seres humanos y –por supuestonecesitan el divorcio; amores apasionados por Internet y, cómo no, en un autor nada dado a respetar jerarquías oficiales, dioses y reglas, tenemos incluso una historia de amor perverso con Adán y Eva, que muy probablemente no fueran nuestros primeros padres. Humor directo a las entrañas.

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22 feb 2013

Yo Claudio, de José Luis Alonso de Santos.

Clau-Clau-Claudio. Todo el mundo se ríe de ti. Ahora puedes hablar alto y claro. ¡Que tengas suerte, Clau-Clau-Claudio! "Al realizar la versión teatral de la famosa novela de Robert Graves, he tratado en todo momento de transmitir esa dolorosa decepción, esa amargura que tantas veces la conducta de los poderosos, en el ejercicio de sus cargos, despierta en los seres humanos. Ese dolor late siempre en esta novela de Gaves, a través de la vida y palabras de Claudio. Y, a la vez, he tratado de comunicar la esperanza que ese grito humano despierta en nosotros -en todos los que intervenimos en el espectáculo-, al intentar transformarlo en creación escénica por medio de nuestro trabajo: la aventura mágica del teatro permite convertir el sufrimiento humano en esperanza."

El Jardín de los cerezos, de Antón Chejov


El jardín de los cerezos (1903) fue la ultima pieza que escribió Anión Chéjov y es, quizá  la más famosa de todas sus obras de teatro. En ella, el autor vuelve a un tema casi omnipresente en sus creaciones: la lenta y prolongada agonía de la Rusia aristocrática y noble del siglo XIX. El oso y La boda son dos breves tragicomedias que corresponden al periodo en que Chéjov incursionó en 
el vodevil.